Siempre son bienvenidas las arriesgadas apuestas de las bandas que no se conforman con desarrollar un sonido estándar, ya probado y conservador. Por el contrario es mucho más valorable el esfuerzo y la apuesta de las bandas que se arriesgan en desarrollar un sonido fiel a sus gustos, convicciones e influencias.
Este ultimo es el caso de Nautilus una banda con un sonido particular, con mezcla de grandes bandas clásicas de los 70 y nuevos clásicos del genero.
La banda en cuestión es un cuarteto instrumental británico originario de la región de Kent integrado por Paul Blewitt en teclados, Andy Challinor en guitarra, Darryl Finch en batería y Rob Tyson en bajo.
El sonido que profesa esta banda está claramente influenciado por King Crimson, Pink Floyd de la etapa psicodélica y sonidos más modernos y cercanos en el tiempo como Porcupine Tree, pero todo bajo un particular estilo dado por los integrantes de Nautilus.
What Colours the Sky in your World? es su álbum debut conformado por siete temas, un debut muy auspicioso por cierto. Las primeras sesiones de grabación se remontan a 2004 pero el disco fue finalmente terminado y lanzado al mercado a fines de 2006.
El disco tiene grandes momentos crimsonianos en los temas "Doors to the Dark Room", el cual abre el disco, en "Cabin Fever" la cual tiene un abrupto cambio de ritmo llegando a los 5 minutos hacia un sonido mas pesado y directo y en "Ghost in the Wind", con aires floydianos, la cual esta pegada y seguida de "Bastogne" una corta e intensa pieza de 3 minutos.
En los casi 10 minutos de "Halloween Factory" tenemos al Crimson mas asfixiante con atmósferas realmente muy opresivas típicos de los temas mas intrincados de la banda de Robert Fripp.
El final del disco esta reservado a "Release", un suave tema, muy intimista y tranquilo en un comienzo que de apoco va ganando en potencia para terminar nuevamente en unos tonos suaves onda Porcupine Tree
What Colours the Sky in your World? es un gran punta pie inicial para estos británicos buscadores de intrincados desafíos musicales propietarios de una mezcla de sonidos muy particular que les deja una carta abierta para que en el futuro próximo nos entreguen un digno sucesor de su magnifica opera prima.

Gustavo Vranich

Link: www.gft-cyclops.co.uk

En la segunda mitad de este 2007 los americanos de Glass Hammer nos regalan uno de los discos más sorprendentes y arriesgados de su carrera gracias a la incorporación de nuevos sonidos e instrumentos.
En lo que respecta a las bandas con un sonido neo-sinfónico como esta, se esta dando un fenómeno en donde las mismas buscan agregarle a su típico sonido elementos propios de otro estilo, ya sean cosas de post-rock o progresivo alternativo, cosas mas pesadas cercanas al metal progresivo, toquecitos crimsonianos o como es el caso de Glass Hammer incorporar una sección de cuerdas. Todos estos aditamentos le dan a una base neo-sinfónica un valor agregado que tiene como resultante una mayor variedad y calidad en las composiciones.
Históricamente Glass Hammer es una banda muy influenciada por Yes, EL&P y Kansas. Particularmente en este nuevo disco la incorporación de la sección de cuerdas les da a muchos de los temas un sonido que nos remite de inmediato a Kansas en gran parte de los 70 minutos que dura Culture of Ascent.
Asímismo, la banda le hace un tributo a Yes incluyendo un tema de los ingleses y particularmente a Jon Anderson.
El primer tema es nada menos que"South Side of the Sky", el clásico de Yes del disco Fragile de 1972. Este homenaje por los 35 años que cumple se constituye en una versión muy bien lograda con un sonido de guitarra y teclado distinto al original, más cercano al Glass Hammer clásico, pero con la potencia intacta y un gran trabajo de teclados a cargo de Steve Babb y la dulce voz de Susie Bogdanowicz.
En segundo término encontramos la composición más potente del disco. "Sun Song" es un tema que a lo largo de los casi 10 minutos de duración no decae en cuanto a potencia, y esto lo logra de la mano de la guitarra, de un bajo muy potente e intensos arreglos corales, siempre con los teclados de fondo dándole matices y colchones a tono. A esto hay que sumarle los instrumentos de cuerdas (violín, cello y viola) que le otorgan al tema un valor agregado en cuanto a arreglos de una altísima calidad.
El homenaje a Jon Anderson esta dado en "Life By Light", un tema que parece extraído de Olias of Sunhillow y que cuenta con la presencia del mismísimo líder de Yes. Un tema muy fino que derrocha sutilezas, arreglos rítmicos por todos lados, colchones de teclados y suaves sintetizadores y guitarras a lo largo de sus siete minutos y medio.
Luego tenemos los dos temas más largos del álbum, "Ember Without Name" de casi 17 minutos e "Into Thin Air" de 19. En ambos encontramos, como en todo buen tema largo, muchos cambios de ritmos, muy buenos momentos de guitarras tanto potentes como mas suaves, piano clásico, sintetizadores y nuevamente los instrumentos de cuerda dándoles un plus de calidad adicional.
El último tema, llamado "Rest" es el más suave e intimista del álbum con un lento comienzo que va in crecendo en intencidad con violines y cellos incluidos hasta un lento final.
Sin dudas Culture of Ascent es uno de los mejores discos de la carrera de Glass Hammer y el mejor de los últimos años.
La inclusión de la sección de cuerdas fue una jugada arriesgada pero muy acertada que enriquece notablemente las composiciones de esta banda. Gracias a esto Glass Hammer encuentra una nueva faceta en su música, la que le da un amplio crédito para los sucesivos discos.

Gustavo Vranich

Link: www.glasshammer.com

Con un proyecto más que ambicioso, los griegos de La Tulipe Noire editaron su cuarto álbum de estudio.
La historia de Nostimon Hemar narra, en forma alegórica, “La Odisea” de Homero, pero desde una perspectiva moderna, por lo cual el proyecto se transformó en una verdadera obra épica que les demandó cuatro largos años de ardua tarea.
En algún momento fueron comparados con Marillion, sobre todo con su segundo disco -Shattered Image editado en el año 2000- pero en realidad, con esta nueva obra, los encuentro más hermanados a bandas del neo progresivo de los noventa como Clepsydra o Grey Lady Down - sobre todo por la semejanza vocal de sus cantantes con la voz de Ima - y en cuanto a sus momentos más duros a los holandeses de Egdon Heath, sobre todo al sonido de su disco Nebula.
El disco es bueno, bien ejecutado, diría que prolijo, pero le falta audacia y eso se traduce en monotonía. Afrontar una obra literaria tan extensa y plasmarla musicalmente debe, por lo menos desde que comienza a pergeñarse, fijarse como objetivo primordial una serie de temas que le den dinámica. Y ahí fallan.
La atmósfera opresiva que traduce Ima con su forma angustiosa de cantar más los constantes cambios sobre la base de un órgano que marca melodías circulares llevan, inexorablemente, al hastío y uno se da cuenta que todavía quedan más de treinta minutos de música.
Vuelvo a aclarar, el trabajo es bueno, el quinteto ejecuta en forma precisa sus instrumentos y las canciones están bien estructuradas pero se quedan en buenas intenciones y para una banda que edita un cuarto trabajo eso es realmente poco.
Más en el debe que en haber. Quedaron en deuda.

Jorge Walter “Chino” López

Link: www.musearecords.com