ACTUALIZADA EL 20 DE SEPTIEMBRE
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 uivira es un nuevo proyecto de rock progresivo con base en Topeka, Kansas, que acaba de publicar su álbum debut, lanzado el 4 de septiembre de 2026 a través de la página de Bandcamp de grupo, con una edición mundial disponible a partir de fines de noviembre.
Pueden oír el excelente álbum en este link.
El grupo está integrado por músicos con una interesante trayectoria dentro del género: Lisa LaRue (RematriNation, 2KX), responsable de composición, teclados y programación; John Baker (Forever Twelve, Mars Hollow), en guitarras, bajo y voces; y Jake Livgren (Emerald City Council, Proto-Kaw), como vocalista.
La banda describe su estilo musical de esta manera: “El sonido de Quivira se sitúa en el punto de encuentro entre la amplitud del rock progresivo instrumental y el rock progresivo melódico con voces. Compases complejos, exuberantes capas de teclados y evocadoras texturas de guitarra se combinan con una narrativa lírica. Cada tema invita al oyente a emprender una exploración sonora en la que la electrónica y la instrumentación orgánica conviven naturalmente”.
El nombre Quivira proviene de la legendaria “ciudad de oro” que los exploradores españoles buscaron durante el siglo XVI. La expedición encabezada por Francisco Vázquez de Coronado creía que Quivira se encontraba en la región que actualmente forma parte de Kansas. Para la banda, sin embargo, el nombre trasciende la búsqueda de un tesoro perdido y simboliza una permanente exploración creativa, en la que se entremezclan historia, mito y una mirada contemporánea.
Precisamente, este primer álbum está construido alrededor de la historia de aquella Quivira anterior a la existencia del estado de Kansas, sus poblaciones indígenas y la llegada de la expedición de Coronado, convencida de que encontraría grandes riquezas. El concepto se desarrolla también alrededor de la incomunicación y los malentendidos entre diferentes culturas, estableciendo finalmente un paralelismo con situaciones que continúan produciéndose en nuestra sociedad actual.
El álbum cuenta además con dos invitados especialmente interesantes: Joe Deninzon, actual violinista de Kansas, participa en el tema 5, mientras que Evan Stanley, hijo de Paul Stanley de Kiss y miembro del proyecto Stanley Simmons, aporta guitarra en el tema 9. La intención de los músicos es que la sincronía entre ellos y la historia sea uno de los elementos fundamentales del disco, convirtiendo a Quivira en una obra conceptual donde la aventura histórica funciona también como reflexión acerca de problemas que, varios siglos después, todavía permanecen vigentes.
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“Bowie’s Vision” es una nueva composición de Rick Wakeman, publicada pocos días atrás como segundo adelanto de Return To The Red Planet, álbum que llegará el 16 de octubre de 2026 a través de Madfish Music.
Ya puede oírse en este link.
La composición es un homenaje profundamente personal a David Bowie y nace de las conversaciones que ambos mantuvieron durante la grabación de “Life On Mars?” en 1971.
Según recordó Wakeman, Bowie estaba muy interesado en Marte y en las posibilidades imaginativas del planeta, aunque no con la misma intensidad científica que él.
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Décadas después, mientras preparaba la continuación de The Red Planet,
Wakeman mencionó aquellos recuerdos:
“Cuando hicimos ‘Life On Mars?’ hablamos mucho sobre el tema. Marte lo fascinaba. Entonces escribí una pieza, casi como un homenaje a David, titulada ‘Bowie’s Vision’”.
La conexión resulta especialmente significativa porque Wakeman fue quien interpretó el inolvidable piano de “Life On Mars?”, una de las grabaciones fundamentales de Hunky Dory. También participó en otras canciones del álbum, entre ellas “Changes” y “Oh! You Pretty Things”.
De esta manera, “Bowie’s Vision” no es simplemente una referencia al imaginario espacial de Bowie: es una mirada retrospectiva sobre una amistad, una experiencia compartida y una colaboración que terminó formando parte de la historia del rock. |
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Producción musical: Lucena Music
Mastering: Bruno Lucena
Realización de videoclip: ITHAQUA Producciones
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 no de los lanzamientos más esperados de 2026 es 1042, el inminente nuevo trabajo de Nexus. Se trata del décimo álbum de estudio de una de las bandas más destacadas que ha dado el rock progresivo argentino.
Días atrás, el grupo presentó el videoclip animado de “Desiertos”, primer adelanto del álbum. La composición, firmada por Lalo Huber y Carlos Lucena, cuenta además con la participación de un invitado verdaderamente especial: la voz principal está a cargo nada menos que de Gustavo Montesano, legendario integrante de Crucis, agrupación argentina considerada por muchos como una de las más importantes de la escena progresiva internacional.
Esta colaboración reafirma el profundo vínculo musical que existe entre Nexus y Crucis. La obra de Nexus recoge claramente la herencia del sinfonismo clásico de aquella histórica banda integrada por Pino Marrone, Aníbal Kerpel, Gonzalo Farrugia y Gustavo Montesano, que publicó solamente dos álbumes de estudio.
Esa admiración ya había quedado plasmada en el disco homenaje que Nexus dedicó a Crucis, una obra en la que se manifiestan tanto el respeto por su legado como la cercanía estilística entre ambas agrupaciones.
Pueden ver el video en este link
https://www.youtube.com/watch?v=NDHr7gFAN8U
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Il Bacio della Medusa publicó su sexto álbum de estudio, Tarlo, el 12 de septiembre de 2026 a través de AMS Records. Formada en 2002, esta banda italiana contemporánea ha desarrollado hasta el presente una discografía de notable calidad, en la que combina el rock progresivo clásico con la potencia y la intensidad propias del hard rock.
Tarlo significa “carcoma”, nombre con el que se conoce al insecto que perfora y roe la madera y los granos. En este caso, la banda utiliza esa imagen como metáfora de los pensamientos que carcomen lentamente el alma humana, generando ansiedad, dudas e interrogantes. Ese “tarlo” representa la semilla de la rebelión y la transformación interior, pero también refleja las contradicciones de la sociedad contemporánea, capaces de poner continuamente en duda nuestras certezas, identidades y libertades individuales.
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El álbum contiene nueve canciones y resulta musicalmente sorprendente y líricamente emotivo. Sus pasajes introspectivos y asfixiantes contrastan con las explosivas intervenciones de la banda, reflejando el concepto central de la obra. Sin abandonar su sonido clásico, el grupo consigue equilibrar muy bien la energía instrumental con una permanente sensación de tensa calma.
La apertura de Tarlo llega con “Oscuro Passeggero”, una pieza que comienza con un delicado piano, aunque pronto revela un profundo dramatismo. La canción enlaza con la breve “L’Orologio Della Morte”, un instrumental potente e intrincado.
A continuación aparece “Il Tarlo”, la composición que da título al álbum. Se trata de una pieza de gran virtuosismo, impulsada por los cruces del saxo de Eva Morelli, la contundente base de bajo de Federico Caprai, la percusión de Diego Petrini y la característica voz de Simone Cecchini. Cerca de la mitad, el piano y el saxo se adueñan del espacio y crean una textura más calma y envolvente. Luego se incorpora la guitarra con un destacado solo de Andrea Morelli y, hacia el final, reaparece la flauta de Eva Morelli, llevando la composición hacia un clima más cercano al jazz. Sin dudas, una de las grandes piezas del disco.
Le sigue “Cielo Australe”, una canción más rítmica y melódica, que se enlaza con “Il Tarlo In Maschera”. Esta última se conecta temáticamente con el concepto central del álbum y aborda las máscaras que adoptamos para ocultar nuestras debilidades y temores.
El sexto tema, elegido como adelanto promocional del disco, es “Il Tarlo In Testa”. La canción está dominada por la expresiva y teatral voz de Simone Cecchini, acompañada en todo momento por la flauta. Más adelante, el ritmo cambia, la banda recupera su energía y Diego Petrini ofrece un espectacular solo de sintetizador.
Con “Caino E Abele” regresa la calma, aunque se trata de una quietud tensa e inquietante. La letra aborda el conflicto humano, la traición y la creciente polarización social.
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El álbum se aproxima a su desenlace con “Le Stelle Cattive”, una composición brillante, de marcado carácter sinfónico y clásico. Finalmente, la magnífica “Speculum” cierra la obra con un equilibrio perfecto entre la potencia rockera y la profundidad melódica que caracterizan al grupo.
La portada de Tarlo también posee una importante carga simbólica. La figura melancólica de un payaso funciona como reflejo visual del concepto central del álbum: aquello que nos carcome por dentro. La ilustración fue realizada por el bajista Federico Caprai, quien además es un reconocido artista plástico y pintor italiano.
En conclusión, Tarlo cierra la trilogía de contenido social iniciada con Seme* (2018) y continuada con Imilla (2023). Con este nuevo trabajo, Il Bacio della Medusa vuelve a situarse entre las agrupaciones más destacadas del rock progresivo italiano contemporáneo y confirma su lugar dentro de la escena progresiva internacional.
https://ilbaciodellamedusa.bandcamp.com/album/tarlo |
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 imple Minds anunció la edición de su vigésimo álbum de estudio, Sacrosanct. Será lanzado el 29 de enero de 2027 por BMG, casi cuatro años y medio después de Direction of the Heart (2022), su muy buen trabajo previo en estudio. Según la presentación oficial, el disco recupera elementos del art rock, la new wave y el sonido atmosférico de los primeros Simple Minds. Sus ocho composiciones son descritas como “contenidas, etéreas y directas, con mayor énfasis en los climas que en el carácter abiertamente épico de otras etapas del grupo.”
Jim Kerr explicó que el título refleja la relación casi espiritual que él y Charlie Burchill mantienen con la música después de cerca de cincuenta años componiendo juntos: ya no la consideran simplemente una carrera, sino algo cercano a una forma de fe.
El primer adelanto, que ya pudimos oír, es “Beginner Boys”. La canción nació al observar Kerr el crecimiento de sus nietos gemelos y preguntarse qué significa formar a un buen hombre en la sociedad actual: cómo pueden convivir la fortaleza, la ternura, el coraje y la sensibilidad.
Ya se puede escuchar la canción, de clásico sonido 80s de la banda, en el playlist de Discover.
El disco ofrecerá 8 temas en su edición regular en CD, mientras que habrá una versión deluxe mediabook con cinco canciones adicionales. Entre ellas encontramos al excelente tema “Your Name in Lights”, publicado en 2024 en ocasión del estreno
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del film biográfico Simple Minds Everything is Possible. Aquí colaboraron con Paul Satham, reconocido por trabajar con B-Movie, Peter Murphy y Jim Kerr en el disco solista Lostboy! AKA.
Por otra parte, el título de la canción “Our Secrets Are the Same” coincide con el nombre del álbum que Simple Minds grabó en 1999 y que permaneció inédito durante varios años. Solo fue incluido en el box set limitado Silver Box, y también fue el título de las memorias de Jim Kerr y Charlie Burchill, escrita junto al periodista Graeme Thompson.
Estas dos opciones en CD serán complementadas por dos versiones en LP, una simple y otra doble, con los 5 bonus tracks.
Simple Minds realizará una gira mundial en 2027 presentando el disco y celebrando sus 50 años de trayectoria.
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Cabaret Voltaire
But What Time Is It Really?
CD, LP (MemeTune)
Álbum en vivo que conmemora el 50.º aniversario del debut escénico de la banda y, al mismo tiempo, rinde homenaje a Richard H. Kirk, fallecido en 2021 y uno de los fundadores de esta formación pionera de Sheffield. Seguimos, entonces, en el fértil territorio de la experimentación musical surgida en aquella ciudad inglesa.
Este registro propone un recorrido casi cinematográfico por lo más representativo del período inicial de Cabaret Voltaire. La mayoría de las composiciones pertenecen a sus primeros años, entre 1978 y 1985; es decir, al núcleo más intenso y decisivo de su obra. A ese repertorio se suma además un tema inédito.
También merece destacarse la notable calidad sonora de las grabaciones, realizadas entre octubre y noviembre de 2025. Para estos conciertos, la banda estuvo integrada por sus miembros originales Chris Watson y Stephen Mallinder, acompañados por Eric Random y Oliver Harrap. Las mezclas y la ingeniería de sonido estuvieron a cargo del prolífico Benge.
Para destacar: “Why Kill Time (When You Can Kill Yourself)”, “Landslide” y “The Crackdown”.
A Certain Ratio
The Joy Of Sextet
CD, LP (Mute)
¿Se puede mejorar una obra maestra? La respuesta no solo parece ser afirmativa, sino que, en este caso, se pueden mejorar dos. Así lo demuestran estas reediciones y remezclas de dos de los mejores álbumes de A Certain Ratio: Sextet (1982) y Force (1986).
Es notable el trabajo realizado por Andy Meecham, colaborador cercano al entorno de la banda, quien consigue realzar algo que ya parecía perfecto, especialmente en el caso de Sextet. El tratamiento de las bases rítmicas merece un párrafo aparte, porque pone todavía más en evidencia la extraordinaria calidad instrumental que siempre distinguió al grupo.
¡Ultrarrecomendado!
Para destacar: “Knife Slits Water” —en sus dos versiones—, “Lucinda” y “Gum”.
A Certain Ratio
Force
CD, LP (Mute)
Para la época de este álbum, el sonido de A Certain Ratio ya había virado hacia terrenos menos herméticos, acercándose a estructuras de canción más ligadas al pop, aunque sin renunciar jamás a esas tremendas bases rítmicas que constituían una de sus señas de identidad. La sección rítmica de ACR siempre merece una mención especial y fue, además, uno de los elementos característicos del sonido del sello Factory durante aquellos dorados años 80, junto con bandas como Joy Division, New Order, Section 25 y The Names.
Al igual que en Sextet, no se trata únicamente de simples remezclas, sino también de reversiones, cambios en la secuencia y la incorporación de temas que no estaban presentes en el álbum original. También existen algunas omisiones, provocadas por la pérdida de determinadas cintas originales.
En Force Majeure se percibe un mayor énfasis en las melodías, cuyo peso recae principalmente en los instrumentos de viento —trompeta, saxo soprano y saxo tenor—, junto con una presencia más marcada de los sintetizadores.
Para destacar: “Naked & White”, “Take Me Down” y “Force”.
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Robyn Hitchcock
The Confuser
LP, CD (Tiny Ghost Records)
Después de 50 años de carrera, llega su álbum de estudio número 25 como solista —¿quién lleva realmente la cuenta?—. Ya en las primeras estrofas del tema de apertura, “I Am This Thing”, proclama: “I love to rock”. ¿Quién, en su sano juicio y a esta altura, podría dudarlo? Y, por si fuera poco, todavía lo hace muy bien.
Sorprende la energía con la que encara este proyecto, que representa un nuevo renacimiento —y ya van varios— dentro de su extensa y prolífica trayectoria. Como en su etapa más reciente, está acompañado en la producción por su esposa, Emma Swift, y cuenta también con la participación de Kimberley Rew, su histórico compañero desde los tiempos de The Soft Boys, entre 1976 y 1980.
Es un disco potente, inspirado y con mucho para decir, que probablemente terminará convirtiéndose en uno de los puntos culminantes de esta última etapa de su carrera. Robyn Hitchcock continúa demostrando que es una fuente inagotable de inspiración.
Una muy agradable sorpresa.
Para destacar: “I Am This Thing”, “Breathless” y “The Vanishing Kind”. Aunque, en verdad, podrían incluirse aquí los diez temas del álbum.
The Jack Rubies
Visions In The Bowling Alley
LP, CD (Big Stir Records)
Otro golpe sobre la mesa por parte de una de aquellas bandas independientes de finales de los años 80 que, en su momento, no logró sobrevivir al tsunami del grunge, capaz de llevarse casi todo por delante durante aquellos años de decibeles desbordados y camperas de cuero sobreactuadas.
A su triunfal regreso de 2023 debemos sumar ahora Visions In The Bowling Alley, un álbum que sorprende por su personalidad, frescura y soltura, como si el paso del tiempo apenas los hubiera afectado.
Y sí: las letras siempre estuvieron allí y no han perdido nada de su fuerza. Ian Wright continúa demostrando que es un extraordinario letrista y cantante. La banda suena increíblemente fresca y me atrevo a afirmar que, con este trabajo, incluso ha superado —y no es poco decir— a su álbum de regreso.
Para destacar: “Are We Being Recorded?” —una buena dosis de paranoia para nuestra época—, “This Is Not A Joke” y “Be Good Or Be Gone”, un cierre bien arriba.
Steven Lindsay
Chords & Colours
CD, LP (Last Night From Glasgow)
Después de un largo intervalo, el exlíder de la banda escocesa The Big Dish presenta su tercer álbum solista y el primero publicado por este prestigioso sello.
En esta oportunidad nos ofrece un hermoso compendio de melodías sentidas, en las que sobresalen —como ha ocurrido durante buena parte de su carrera— la delicadeza de los arreglos, la creación de climas y un profundo espíritu contemplativo.
Según sus propias palabras, durante los últimos años estuvo especialmente dedicado a la pintura. Cada canción del álbum surgió a partir de uno de sus cuadros y fluyó de manera natural, casi como una descripción musical de esas obras.
Como no podía ser de otra manera, en la grabación y masterización del álbum participó Paul McGeechan, de Love & Money, convertido a esta altura en una referencia ineludible dentro de la escena musical escocesa contemporánea.
Para destacar: “Elsewhere”, “Emergency Belief System”, “Conversation Piece” y, especialmente, “Existential Crisis Management”.
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Ian McNabb 65
CD, LP (Fairfield Records)
Otro gran álbum del excantante de Icicle Works, una etapa que ya ha quedado bastante atrás en el tiempo, más allá de que recientemente la banda realizó una gira de carácter puramente retrospectivo.
La carrera de Ian McNabb tomó vuelo propio hace mucho tiempo, recorriendo prácticamente todos los géneros que encontró en el camino, pero siempre abordándolos de una manera personal y auténtica.
En este caso, el título hace referencia a su edad y también, de acuerdo con el arte de tapa, a diversos acontecimientos artísticos ocurridos en 1965. Tal como nos tiene acostumbrados, vuelve a presentar un álbum consistente, capaz de transitar por baladas, canciones pop, góspel e incluso algún blues.
También se anima, junto a nada menos que Peter Buck, a realizar una hermosa versión de “So. Central Rain”, de R.E.M.
Para destacar: “Fugitive”, “So. Central Rain” y “Oberon”.
They Must Be Russians
& Other Groundless Accusations
CD (Klanggalerie)
Reedición de esta banda inglesa de Sheffield, ciudad que fue una de las principales cunas de la experimentación musical durante los primeros años 80. Este fue su segundo y último álbum, más abierto y optimista que su debut homónimo.
Sorprendentemente, el sello austríaco Klanggalerie tomó la posta y recuperó esta gema para alegría de los amantes del sonido post-punk de mediados de aquella década. Como cabría esperar de un disco grabado en 1985, aquí aparecen bases enérgicas, algún que otro flirteo con el funk y esos saxos que fueron una verdadera marca registrada de aquellos años.
Ecléctico por naturaleza, el encanto del álbum reside en la manera en que las melodías son conducidas alternativamente por las guitarras, los saxos y los sintetizadores. Otro dato curioso es que ninguno de sus integrantes alcanzó una notoriedad significativa antes ni después de su paso por la banda.
Para destacar: “Infatuation”, “Passion” y “The Bob Story”.
Cabaret Voltaire
But What Time Is It Really?
CD, LP (MemeTune)
Álbum en vivo que conmemora el 50.º aniversario del debut escénico de la banda y, al mismo tiempo, rinde homenaje a Richard H. Kirk, fallecido en 2021 y uno de los fundadores de esta formación pionera de Sheffield. Seguimos, entonces, en el fértil territorio de la experimentación musical surgida en aquella ciudad inglesa.
Este registro propone un recorrido casi cinematográfico por lo más representativo del período inicial de Cabaret Voltaire. La mayoría de las composiciones pertenecen a sus primeros años, entre 1978 y 1985; es decir, al núcleo más intenso y decisivo de su obra. A ese repertorio se suma además un tema inédito.
También merece destacarse la notable calidad sonora de las grabaciones, realizadas entre octubre y noviembre de 2025. Para estos conciertos, la banda estuvo integrada por sus miembros originales Chris Watson y Stephen Mallinder, acompañados por Eric Random y Oliver Harrap. Las mezclas y la ingeniería de sonido estuvieron a cargo del prolífico Benge.
Para destacar: “Why Kill Time (When You Can Kill Yourself)”, “Landslide” y “The Crackdown”.
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 l estupendo sello Cuneiform acaba de anunciar el lanzamiento de Dangerous Bends, un nuevo disco del legendario guitarrista Ray Russell. Junto a él encontramos una serie de rutilantes nombres de la escena del jazz rock, como Simon Phillips, con quien trabajara ya en varios de sus discos, George Baldwin, Jim Watson y Tim Whitehead, entre otros. El álbum saldrá el 25 de septiembre y ya se puede oír el notable primer tema, “Just for Clicks” en este link de Bandcamp.
El sello cuenta detalles acerca del trabajo de esta forma: “El legendario guitarrista británico y premiado compositor Ray Russell se reúne con su colaborador de toda la vida, Simon Phillips, y con el productor Greg Walsh en un quinteto estelar para un nuevo álbum.
Lo primero que probablemente notarás al escuchar Dangerous Bends de Ray Russell es su sonido, su extraordinario sonido de guitarra. Con la guitarra, vuela a alturas que solo las melodías elevadas de David Gilmour se atreven a alcanzar, navegando por giros y vueltas musicales con la filigrana matizada de Jeff Beck y la fluidez angular de Allan Holdsworth.
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Sin embargo, no es ninguna sorpresa: esta no es una lista de héroes; Jeff Beck, Allan Holdsworth y David Gilmour son iguales a Russell, sus pares. Y aunque el nombre de Russell tal vez no haya alcanzado el mismo nivel de popularidad que ese trío de leyendas, su forma de tocar la guitarra sí lo ha hecho.
Una lista breve de sus créditos parece una tarea imposible, con nombres como Tina Turner (Private Dancer [¡5 veces platino!], Let’s Stay Together), Heaven 17 (The Luxury Gap, How Men Are), George Harrison (Hunting of the Snark; La vida de Brian de Monty Python y otras películas de HandMade Films), Phil Collins (You Can’t Hurry Love, One More Night), Cat Stevens (gira de 1967 con Jimi Hendrix Experience), Robert Plant (The Honeydrippers), Art Garfunkel (Bright Eyes) y David Bowie (Space Odyssey, Labyrinth), por mencionar solo algunos.
Russell ha utilizado su propio nombre para lanzar discos que se ajustan más a sus tendencias personales de vanguardia. Sus álbumes han captado la atención absorta de expertos en música experimental que marcan tendencia, como Jim O’Rourke, quien ha elogiado abiertamente a Russell y ha supervisado lanzamientos de material de archivo. En Dangerous Bends, su más reciente grabación de estudio, sigue avanzando con paso firme, mostrando en todo su esplendor el sonido de su Stratocaster en constante evolución, lo que demuestra que, aunque es un músico que, literalmente, lo ha hecho todo, aún queda mucho por descubrir.
Dangerous Bends es el cuarto álbum de Russell como líder de banda, compositor y guitarrista en el sello Cuneiform Records de Washington, D.C., tras los álbumes de estudio Fluid Architecture (2020) y Goodbye Svengali (su tributo a Gil Evans de 2006), así como la reedición de 2021 por parte de Cuneiform del álbum Secret Asylum de Russell, de 1972.
Además, Cuneiform lanzó dos proyectos colaborativos de Russell: Stacked (2026), una grabación en vivo de improvisación a cargo de Russell, el baterista Eddie Prévost y el guitarrista Nathan Moore, y Celestial Squid, un proyecto de improvisación vanguardista que codirigió con el guitarrista Henry Kaiser y una banda. Russell también aparece en el lanzamiento de archivo de Cuneiform dedicado a Nucleus, Live in Bremen, que incluye grabaciones de 1972.
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La inspiración de Russell para Dangerous Bends fue grabar un disco de quinteto, en su mayor parte en vivo y sin pregrabaciones, compartiendo la línea melódica principal con el saxofonista Tim Whitehead (Nucleus, Loose Tubes).
Para la sección rítmica, contó con Laurence Cottle (Black Sabbath, Bill Bruford) en el bajo, Jim Watson (Kurt Elling, Sting) en los teclados y el baterista Ian Palmer (Randy Brecker, Climax Blues Band) durante la mayor parte del disco, quienes en conjunto aportan lo que él llama «una conexión telepática: saben adónde vas cuando empezás».
"Al igual que sus contemporáneos Sonny Sharrock y Terje Rypdal, Russell hace que parezca que la guitarra no es suficiente, como si buscara algo más salvaje, algo que no pueda contenerse dentro de la jaula de seis cuerdas".
– Jim O'Rourke
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ditado en 1987, Gaudi sería el último disco oficial del Alan Parsons Project, basado en la vida del brillante arquitecto catalán Antonio Gaudi, y la relación entre su entrega por el trabajo y su vida personal. El tema principal fue “La Sagrada Familia”, la impresionante basílica de Barcelona, que este año alcanzó en su torre central su altura máxima final de 172,5 metros, justo en el año del centenario de la muerte de Gaudi.
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"El tema principal trata sobre Antonio Gaudí y la catedral que estaba construyendo en Barcelona, España, pero de vez en cuando nos desviábamos del tema. 'Más cerca del cielo' encaja bastante bien; es la idea generalizada de por qué las catedrales son tan enormes: para poder estar más cerca del cielo.", afirmaba Alan Parsons acerca de este muy buen trabajo.
Para acompañar estas celebraciones, The Alan Parsons Project lanzará en formato digital independiente una serie de versiones alternativas bajo el nombre de Gaudi Sessions, disponibles en plataformas desde el 9 de septiembre, en calidad 16-bit/44.1 kHz.
Ya puede oírse el primer adelanto con el tema “La Sagrada Familia (Rough Mix)” en nuestro playlist de Discover.
Los temas serán:
1 “La Sagrada Familia” (Rough Mix) 7:25
2 “Too Late” (Eric Woolfson Rough Guide Vocal) 4:13
3 “Closer to Heaven” (Sax / Chris Rainbow Overdub Section) 0:50
4 “Standing on Higher Ground / Losing Proposition” (Vocal Experiments) 3:58
5 “Money Talks” (Chris Rainbow / Percussion Overdubs) 0:37
6 “Money Talks” (Rough Mix Backing Track) 4:28
7 “Paseo de Gracia” (Rough Mix) 3:46
Recordemos que estas versiones fueron incluidas como bonus tracks de la edición remaster de 2008 en CD, pero que no siempre se hallaban oficialmente disponibles para escuchar en streaming. |
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l dúo de Chris Braide y Geoff Downes (Yes, Asia) acaba de estrenar su nueva composición, la que abrirá su inminente disco Trauma. Se trata del tema “Hello Hello”, el cual ya se puede oír en el playlist de Discover o en el canal de YouTube de DBA.
Dicen Braide acerca de la nueva canción: “Hello Hello” es una canción aparentemente alegre que trata sobre cómo nuestra propia psicología a veces puede volverse en nuestra contra. Podemos encerrarnos en nosotros mismos, levantar muros y aislarnos, y ese aislamiento puede tener un efecto devastador. En el fondo, la canción trata de tener la conciencia de uno mismo y el valor para tender la mano y decir: ‘Tengo miedo, necesito ayuda, ¿hay alguien ahí?’. Cuando decimos que ‘el amor puede abrir puertas’, eso comienza por aprender a amarte y aceptarte a ti mismo. A veces, abrir esa primera puerta es lo que permite que el resto del mundo vuelva a entrar”.
“La canción inicial de nuestro álbum Trauma es un mensaje lleno de esperanza", agrega Downes. “El inicio de un nuevo capítulo en nuestro sexto álbum de DBA, que encarna el descubrimiento de un nuevo mundo y el comienzo de un viaje hacia lo
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desconocido. Cuando Chris canta la conmovedora letra: ‘Hola, hola, hola, el amor puede abrir puertas’, capta de inmediato el sentimiento de una perspectiva positiva, que invita a todos los géneros, naciones y credos a dar un paso al frente y unirse”.
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CLICK AQUI PARA OIR EL ALBUM COMPLETO |
 inalmente llegó el día del lanzamiento de uno de los álbumes más esperados del año: The Roaring Waves, una obra que reúne a dos gigantes de la guitarra del rock progresivo: Steve Hackett, exintegrante de Genesis, y Steve Rothery, miembro fundador y actual guitarrista de Marillion.
Ambos músicos venían trabajando en este proyecto desde hacía varios años, pero fue recién el 28 de agosto de 2026 cuando el álbum vio la luz en formato físico.
The Roaring Waves —“Las olas rugientes”— desarrolla un concepto inspirado en las profundidades y la inmensidad del mar. Sus siete composiciones instrumentales evocan diferentes estados del océano, desde su maravillosa calma hasta el ímpetu y la bravura de las olas.
Cada una de las piezas invita al oyente a sumergirse en un universo de carácter casi cinematográfico. A través de una fusión de rock progresivo, psicodelia, música ambiental y electrónica, Hackett y Rothery construyen paisajes sonoros envolventes, poblados de melodías cautivadoras y sutiles pasajes experimentales. El resultado sugiere una sucesión de escenas visuales imaginarias, generadas por la extraordinaria expresividad de ambas guitarras.
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Acompañan a Hackett y Rothery Riccardo Romano, integrante de la banda italiana de rock progresivo RanestRane, en teclados y bajo; Daniele Pomo, también miembro de RanestRane, en batería, y Leon Parr, baterista de la Steve Rothery Band.
Hacia el final del álbum se suman las voces etéreas de Jennifer y Jo Rothery —hija y esposa de Steve Rothery— y de Jo Hackett, esposa de Steve Hackett. Su participación aporta una dimensión diferente a “Pacific Coast Highway”, una composición que interrumpe en cierta forma la serenidad predominante hasta ese momento y parece anunciar el despertar de la fuerza y la bravura del mar.
El resultado es un álbum absolutamente cautivador, emocionante y magnífico, en el que dos personalidades fundamentales del rock progresivo combinan sus estilos para crear una obra profundamente evocadora.
1. The Storm (6:49)
2. Sandsend (4:45)
3. Red Dragon (4:18)
4. The Roaring Waves (7:10)
5. K-129 (7:52)
6. The Black Sea (6:40)
7. Pacific Coast Highway (7:30)
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no de los más grandes bateristas que diera la escena del prog es Bill Bruford. Desde sus inicios con Yes, pasando por su monumental obra con King Crimson (en diversos momentos de las décadas de los ’70, ’80 y ’90), U.K., Bruford, Earthworks o su breve pero recordado paso por Genesis en 1976, ha exhibido un nivel que lo llevó a ser considerado como quizás el mejor del mundo en su instrumento. Su decisión de retirarse de la música sorprendió y entristeció a sus seguidores. Pero poco tiempo atrás regresó junto al Pete Roth Trio, realizando una serie de celebrados conciertos.
Ahora el grupo lanzará el disco Group Chat, una edición de CD+DVD, el 18 de septiembre. Afirma el sello Winterfold en su gacetilla:
El Pete Roth Trio regresa con Group Chat, un nuevo y llamativo lanzamiento en CD/DVD que captura la espontaneidad, la interacción y la intrépida conversación musical que caracterizan a esta excepcional banda. Liderado por el guitarrista Pete Roth, junto al bajista Mike Pratt y el legendario baterista Bill Bruford, Group Chat es el tercer álbum importante de Roth y un lanzamiento de especial importancia, ya que marca el tan esperado regreso de Bruford como cabeza de cartel tras una pausa de 13 años, así como su primera aparición en material nuevo en 19 años.
Producido por Pete Roth y Bill Bruford para Winterfold Records, Group Chat presenta un trío que se nutre de la intimidad, el riesgo y la conexión. |
Arraigada en el jazz, pero sin dejarse limitar por él, la música fluye con soltura a través del funk, las influencias de la música clásica contemporánea y la improvisación espontánea, sin considerar nada como intocable. Composiciones originales como «Full Circle», «Dancing With Grace» y «Original Sin» se combinan con piezas colaborativas como «Part Of The Charm» y «Looking Forward To Looking Back», mientras que la inspirada «Improvisation on the Largo» del Trío de la Sinfonía n.º 9 de Dvořák subraya la amplitud de su imaginación musical. El resultado es un disco que se siente aventurero, inmediato y vivo: música creada en el momento por tres músicos que escuchan con la misma intensidad con la que tocan.
El lanzamiento se presenta como una edición en digipak de dos discos (CD/DVD), que incluye un libro con notas detalladas y fotografías del grupo. Además del álbum de audio de nueve pistas, el box incluye un DVD extra de 35 minutos que ofrece una visión más profunda del mundo del trío, con presentaciones, una introducción y un segmento especial con comentarios de Pete Roth.
Group Chat es un documento vívido de tres voces musicales distintivas en una conversación abierta: íntima, exploratoria, ingeniosa y profundamente viva.
Pueden oír el nuevo avance del disco “Improvisation on the Largo from Dvořák’s Symphony #9” aquí
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l próximo viernes se editará uno de los discos más esperados del año. The Roaring Waves es el resultado de la colaboración de dos ya legendarios guitarristas del rock progresivo, Steve Hackett y Steve Rothery. Ambos dieron forma a un disco bellísimo, muy emotivo y refinado.
Ya puede verse en el canal FairfaxCityMusic la flamante entrevista que Claudio Bustamante realizó el 24 de agosto al guitarrista de Marillion, quien habla sobre los orígenes de esta colaboración, la idea del mar como eje central del álbum, cómo los influyó en sus vidas, y de sus planes para una nueva colaboración y eventual gira.
Pueden ver la entrevista en este link.
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 a banda estadounidense Pattern-Seeking Animals viene desarrollando una trayectoria notable desde su formación, en 2018, y su debut discográfico, en 2019, con el homónimo y excelente Pattern-Seeking Animals, editado en julio de ese año.
Se trata de un verdadero supergrupo integrado por Ted Leonard, Dave Meros, Jimmy Keegan y John Boegehold. Los tres primeros están vinculados con otra de las grandes agrupaciones del rock progresivo estadounidense, Spock’s Beard. A su vez, Leonard es integrante de otro reconocido supergrupo, Transatlantic, y fue miembro fundador de las muy buenas bandas Enchant y Thought Chamber.
Grimalkin es el sexto trabajo de la banda y llega apenas un año y medio después del brillante Friend of All Creatures.
El título Grimalkin hace referencia, en inglés antiguo, a una gata gris y está relacionado con la brujería, ya que el término era utilizado para designar al espíritu familiar de las brujas, representado habitualmente con forma de gato.
El álbum está compuesto por ocho canciones de gran calidad compositiva. Como ya es habitual en Pattern-Seeking Animals, la banda posee una extraordinaria capacidad para sorprender con melodías memorables y una clara accesibilidad, sin renunciar a la complejidad técnica cuando la música lo requiere.
El álbum comienza con una introducción instrumental de aproximadamente dos minutos, hasta que aparece la voz de Leonard y la composición adquiere un desarrollo mucho más dinámico. Los buenos coros y los cambios de clima conducen hacia un pasaje más apaciguado, protagonizado por piano y flauta, absolutamente fenomenal. Se trata de “Maybe All a Dream”.
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“A Flower Yet to Grow”, el siguiente tema, presenta un muy buen ritmo, magníficos cortes y una sucesión de momentos brillantes. Se destacan los teclados de Boegehold y la línea melódica construida por Leonard a través de su voz y guitarra, sostenida por la sólida base de Meros y Keegan.
Le sigue “Jade Sky”, una composición de medio tiempo en la que Dave Meros adquiere un especial protagonismo, con el bajo claramente en primer plano. Los arreglos de violín aportan además un atractivo matiz a la canción.
Quizás uno de los momentos más emotivos del disco llegue con la maravillosa y melancólica “Things I Don’t Do”, una canción que parece abordar alguna forma de pérdida. La interpretación vocal de Ted Leonard es notable y se adapta perfectamente al espíritu de la composición, acompañado por el piano.
“Break Away” posee un estilo que remite al mejor Kansas, nuevamente con una magnífica interpretación de Leonard. En “Traveller on the Wrong Road Home”, los sonidos de instrumentos de viento realizados mediante los teclados de John Boegehold otorgan un aire distintivo a la pieza, al que se suman el violín y la contundencia de la base de bajo y batería.
Pero es difícil no detenerse especialmente en la majestuosidad del penúltimo tema del álbum, “Slowly Falls the Flying Man”. Su comienzo parece situar cinematográficamente al oyente en una campiña inglesa de la época renacentista. La canción va creciendo progresivamente en intensidad a partir de la aparición de la voz de Leonard, acompañada por redobles de batería y fabulosos arreglos de teclado que evocan aquella época histórica. Es, sin dudas, uno de los grandes momentos épicos de este sexto lanzamiento de la banda.
El álbum concluye con “I Dream the World”, una composición de corta duración que, sin embargo, funciona como un brillante cierre. Se trata de un tema tranquilo, cercano a la balada, construido sobre hermosas melodías que dejan una agradable sensación final.
En menos de diez años de existencia, Pattern-Seeking Animals parece haber recorrido un camino ascendente, construyendo una discografía de gran calidad y demostrando una evolución constante. Con Grimalkin, la banda alcanza su sexta producción y, a mi entender, uno de los puntos más altos de su todavía relativamente corta trayectoria.
Integrantes
Ted Leonard: voz principal y guitarra
John Boegehold: teclados, sintetizadores y principal compositor
Dave Meros: bajo
Jimmy Keegan: batería y coros
https://www.psanimals1.com/
https://open.spotify.com/intl-es/album/4IQt4xoJlmQvtwuIS2nWa7 |
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 omo hemos anunciado pocos días atrás, The Tangent regresa en octubre con su nuevo álbum WAS, un ambicioso trabajo doble, a editarse por el sello galés White Knight Records.
El canal FairfaxCityMusic acaba de subir un nuevo programa con una reciente entrevista a Andy Tillison, el fundador y líder de la excelente banda inglesa.
Allí habla de sus orígenes en la música, sus primeros proyectos musicales, Parallel or 90 Degrees, la creación de The Tangent, su proceso creativo, las dificultades de los músicos en la era del streaming y mucho más, a lo largo de 45 minutos de interesante charla con Claudio Bustamante.
Pueden ver la entrevista en este link
Click aquí para ver el trailer de WAS
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 esde hace muchos años, la estupenda agrupación progresiva chilena Aisles se ha consolidado como una de las bandas sudamericanas de mayor reconocimiento internacional. Sus trabajos reciben constantes elogios en prestigiosas revistas y medios europeos y norteamericanos, y la calidad de su música explica en buena medida esta notable proyección internacional.
Luego de lanzar una serie de singles, Aisles finalmente anunció la edición de su sexto álbum de estudio, prevista para octubre. Irrationally será editado por Presagio Records y contendrá 11 temas. Entre ellos se encuentra “Anywhere”, el flamante single adelanto de la banda, que pueden escuchar en el playlist de Discover o a través de este link.
 El grupo anunció detalles de estas ediciones en su reciente gacetilla:
El aclamado quinteto chileno Aisles anuncia el lanzamiento de su dramático nuevo sencillo, "Anywhere". Este es uno de los adelantos finales previo al lanzamiento de su altamente anticipado sexto álbum de estudio, Irrationally, esperado para el próximo 1 de octubre.
"Anywhere" es una dinámica pieza de art rock que navega fluidamente entre sonoridades luminosas y oscuras. La canción evoca el lado más brillante y estimulante de Muse, antes de estallar cargada con una energía de rock alternativo que recuerda a bandas de alta densidad como Incubus, Faith No More e incluso Deftones, todo impregnado con el tono emotivo característico de Aisles. Así, la pista se va construyendo continuamente hacia un clímax cada vez más oscuro y dramático.
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Inspirada en un viaje por carretera de dos personas que se aman, la letra sigue la historia de un amor oculto, hilo conductor de la placa. El tema explora conceptos como la libertad, la vitalidad de la pasión verdadera y la creencia fundamental de que el lugar no importa mientras exista una conexión real. La metáfora central, "we can travel south" («podemos viajar al sur»), acarrea un tremendo peso emocional: simboliza un viaje hacia el final del camino, lejos de todo y de todos.
"Anywhere" está disponible en las plataformas de streaming desde el 21 de agosto, acompañado por un visualizador oficial en YouTube.
.jpg) El próximo 30 de agosto Aisles ofrecerá la posibilidad a sus fans en Chile de participar de un exclusiva Listening Party de Irrationally previa inscripción en este formulario, con cupos limitados.
El álbum es un testimonio de la renovada alineación de la banda y su química creativa, integrada por Boris Seeder (voz), Germán Vergara (guitarras, voz), Juan Pablo Gaete (teclados), Daniel Concha (bajo) y Alvaro Poblete (batería). Juntos han concebido un álbum que abraza la emoción humana pura, el surrealismo y las atmósferas cinematográficas por encima del mero virtuosismo técnico.
El lanzamiento de "Anywhere" coincide con un período de impulso internacional sin precedentes para Aisles. El año pasado, consolidaron su reputación en el Reino Unido al convertirse en la primera banda sudamericana en ser añadida al prestigioso catálogo de Burning Shed, compartiendo espacio con íconos del rock experimental.
Irrationally ya está disponible para preventa en el sitio web de la banda, aislesproject.com, y también en Burning Shed para todos sus fanáticos en Reino Unido, la Unión Europea y EE. UU.
Los temas serán:
1. Irrationally (5:06)
2. Took Me Years (4:31)
3. Now is the Time (4:01)
4. Blue Skies (5:03)
5. Lobsters and Ants (5:36)
6. Think I'm a Ghost (7:16)
7. Anywhere (4:32)
8. This is How Our Story Began (0:28)
9. Now it's Over (4:46)
10. One More Ride (6:38)
11. Come Back (7:17)
"Anywhere"
https://www.aislesproject.com/ |
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a notable banda sueca The Flower Kings acaba de anunciar la edición de su nuevo disco en estudio, HOPE, a lanzarse el 23 de octubre a través del sello InsideOutMusic. Este es el sucesor de Love, trabajo lanzado en mayo de 2015.
Ya pueden oír el nuevo tema “In a World of Fools” en este link.
La formación actual del grupo incluye a Roine Stolt, Michael Stolt, Lalle Larsson, Hasse Fröberg y el baterista Mirko DeMaio.
Cuenta la banda en su Bandcamp acerca de este nuevo álbum:
Tras más de tres décadas de una carrera extraordinaria, los pioneros suecos del rock progresivo The Flower Kings regresan con HOPE, su decimoctavo álbum de estudio y una de las propuestas más ambiciosas de su legendaria trayectoria. Con un equilibrio entre una maestría musical refinada y una creatividad intrépida, el álbum es tanto una celebración del legado de la banda como un audaz salto hacia adelante, que abraza la grandiosidad cinematográfica y el espíritu aventurero que los han convertido en uno de los grupos más queridos del rock progresivo.
HOPE presenta una rica colección de composiciones de gran envergadura, entre las que se incluye la épica pieza central de 30 minutos «The Gods of Rome». Inspirándose en temas como el poder, el conflicto, la ambición humana y la situación del mundo moderno, el álbum reflexiona sobre una era marcada por la división y la disminución de la empatía, al tiempo que, en última instancia, transmite un mensaje de optimismo, compasión y renovación.
En lugar de perseguir las tendencias contemporáneas, The Flower Kings se mantienen fieles al sonido orgánico y melódico que los ha definido a lo largo de su carrera. El resultado es una experiencia auditiva envolvente, llena de melodías elevadas, interpretaciones virtuosas, arreglos exuberantes y momentos de auténtica profundidad emocional.
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Genetics anunció su próximo concierto en Argentina, el cual se realizará el 10 de diciembre en el Teatro Coliseo para celebrar los 50 años del espectacular álbum A Trick of the Tail. Será una ocasión imperdible para escuchar la totalidad de ese disco, ya que algunos temas fueron rara vez interpretados por Genesis. Incluso una de las mejores creaciones del grupo, «Mad Man Moon», jamás fue tocada en vivo por la banda.
Pero aparte podremos oír temas esenciales como «Squonk», «Entangled», «Ripples», «Los Endos», «Dance on a Volcano», «Robbery, Assault and Battery» o el beatlesco «A Trick of the Tail», los cuales dieron forma al que es, sin dudas, uno de los mejores discos de rock progresivo de la historia. |
Las entradas ya están a la venta en este enlace:
https://www.ticketek.com.ar/genetics/teatro-coliseo
Lanzado el 13 de febrero de 1976, A Trick of the Tail fue un disco casi milagroso, ya que pocos meses atrás Peter Gabriel había anunciado su separación del grupo en uno de sus mejores momentos. Decididos a seguir como sea, los cuatro miembros restantes comenzaron a trabajar en una serie de piezas instrumentales mientras buscaban al vocalista adecuado para reemplazar a Gabriel.
Pese a probar con cientos de postulantes —algunos de ellos de renombre como Nick Lowe, Mick Rogers o Mick Strickland—, finalmente la solución se hallaba en el seno mismo de la banda. Cuando Phil Collins cantó «Squonk», todos se dieron cuenta de que el hasta entonces baterista era el adecuado para suceder a Peter. Su amigo Bill Bruford se ofreció a apoyarlo como baterista en la siguiente gira para que Collins se sintiera respaldado instrumentalmente por quien era uno de los mejores bateristas del mundo en aquel momento. Y así surgió esa maravilla llamada A Trick of the Tail.
A agendarse, entonces, el 10 de diciembre para revivir un álbum mágico y único en el hermoso Teatro Coliseo de Buenos Aires |
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esde su fabuloso disco debut The Music That Died Alone, en 2003, la banda inglesa The Tangent, creada y liderada por el excelente tecladista Andy Tillison, ha ofrecido una discografía de altísimo nivel en el terreno del prog/jazz-rock. Con 13 trabajos en estudio y tres en vivo, con músicos como Roine Stolt, David Jackson, Jonas Reingold, Luke Machin o Theo Travis en diversos momentos de su carrera, es sin dudas una de las bandas más prestigiosas de las últimas dos décadas en el mundo del rock.
The Tangent acaba de anunciar el lanzamiento de su 14° disco en estudio WAS, a editarse por el sello británico White Knight Records el próximo 2 de octubre. Este doble CD contendrá un disco con dos extensas canciones épicas y otro con una suite de conjunto (predominantemente instrumental). La edición deluxe incluirá también un tercer CD con temas extra de alta nivel, y un libro de 24 páginas en tamaño 7”.
Ya pueden ver el trailer adelanto en este link
Recordemos que la actual formación del grupo cuenta con John Jowitt (ex IQ y Arena entre muchos otros) y Rob Groucutt en teclados (hijo del recordado Kelly Groucutt de la ELO), aparte del mencionado Tillison, Theo Travis, Luke Machin (Cyan) y Steve Roberts (Magenta).
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l próximo miércoles 7 de octubre podremos disfrutar en el Café Berlín de Buenos Aires del debut en Argentina de la nueva agrupación The Crimson Kings. Formado por Horacio Pozzo (ex Rael y actual Genetics), Jeremy Stacey (miembro de King Crimson en sus últimas giras), Emi Franji y Julián Franji, el cuarteto rendirá homenaje a la monumental obra de King Crimson.
Las entradas pueden adquirirse ya en este link
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Respecto al origen de la idea, en la página de The Crimson Kings podemos leer:
“Dear Horacio: Have you ever considered The Crimson Kings? Encouragement!” - Robert Fripp
Con este mensaje, como la chispa que pone en marcha un engranaje latente, comenzó a gestarse este proyecto. Lo que siguió fueron meses de correos, conversaciones para materializar lo intangible y la minuciosa tarea de convocar a músicos dispuestos a habitar el espíritu inquieto de la obra de King Crimson.
En el anuncio de Livepass se afirma acerca del proyecto:
Impulsada y apoyada por Robert Fripp, The Crimson Kings explora la música de King Crimson desde su esencia: la experimentación, la fidelidad creativa y la búsqueda sonora. Con un repertorio que recorre cincuenta años de historia —desde sus temas más icónicos hasta visiones contemporáneas—, la banda reinterpreta el legado del rock de vanguardia con una impronta viva y actual.
La formación reúne a músicos con un vínculo directo y profundo con el universo crimsoniano y la escena internacional: Jeremy Stacey (baterista y miembro oficial de la última alineación de King Crimson entre 2016 y 2021, con trayectoria junto a Joe Cocker, Eric Clapton, Robbie Williams, Noel Gallagher, Sheryl Crow); Horacio Pozzo (tecladista de Genetics —proyecto con el que ha girado por toda Latinoamérica junto a Steve Hackett— y colaborador de Fripp desde 1994, miembro de The League of Crafty Guitarists), Emi Franji (multiinstrumentista y compositor, en contacto con Guitar Craft desde 2016 en distintos seminarios en Latinoamérica y Europa) y Julián Franji (guitarrista, bajista, compositor y docente versado en el jazz, el rock y la fusión
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—Faour-Franji Dúo, FPB y Master Mono— solista y sesionista para artistas de distintos países).
La banda también realizará una presentación en Santiago de Chile, en el mes de octubre. Proximamente les informaremos los detalles de este evento.
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teve Hackett y Steve Rothery presentaron el video clip del segundo corte del inminente álbum en colaboración, The Roaring Waves. Se trata del tema “Red Dragon”, el cual puede verse aquí.
Steve Rothery comenta: "Red Dragon muestra el lado más rockero de nuestra colaboración; comienza con el sonido de una zanfona (un instrumento originario de la Europa medieval, alrededor del siglo X), seguido de un riff de guitarra pesado que toqué yo y de magníficas melodías de guitarra y guitarra sitar a cargo de SH”.
Steve Hackett agrega: “Red Dragon era el nombre del barco que utilizó la Compañía de las Indias Orientales en sus primeros años. Usé una guitarra sitar, entre otros instrumentos, para darle ese auténtico toque oriental…”
Tras años de trabajo, The Roaring Waves reúne siete composiciones instrumentales que se mueven con fluidez entre lo cinematográfico y lo íntimo, como explica Hackett: "No es el tipo de álbum que los guitarristas suelen hacer juntos".
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 ambién ya podemos escuchar el primer avance del próximo álbum de Rick Wakeman, "The Jezero Crater". El tono épico de la composición recuerda por momentos a The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table, reforzando la sensación de regreso a las raíces que parece definir a Return to the Red Planet, el nuevo trabajo del exintegrante de Yes.
El cráter Jezero, que da nombre a la pieza, albergó un lago alimentado por ríos hace entre 3.500 y 4.000 millones de años. Su abundancia de arcillas y sedimentos —materiales especialmente eficaces para preservar compuestos orgánicos y posibles fósiles— lo convierte en uno de los lugares más prometedores de Marte para la búsqueda de evidencias de vida antigua.
Pueden oír el tema en la playlist de Discover Store
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